Comprendre les 12 principes de l'animation de Disney

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(Crédit d'image: Disney)

Les 12 principes de l'animation de Disney ont été introduits pour la première fois par les animateurs Ollie Johnston et Frank Thomas dans leur livreL'illusion de la vie: Disney Animation, sorti pour la première fois en 1981. En examinant le travail des principaux animateurs de Disney à partir des années 1930, ce livre voit Johnston et Thomas résumer leur approche à 12 principes de base de l'animation.

Constituant la base de tout travail d'animation, ces principes sont pertinents pour un certain nombre de domaines différents. Bien que l'utilisation la plus claire soit pour animer un personnage (voir notre conception de personnages conseils ici), ces règles sont également un guide inestimable dans d'autres domaines, par exemple, lors de l'introduction de mouvement dans votre interface avec certains Animation CSS .

Dans cet article, nous examinons de plus près chaque principe d'animation. Pour les voir en action, vous pouvez envisager de vous inscrire à Disney Plus .



Cet article présente des GIF de Vincenzo Lodigiani , qui a également réalisé la courte vidéo The Illusion of Life (ci-dessous).

Une fois que vous aurez compris ces 12 principes d'animation, vous serez en mesure de faire passer votre travail de mouvement au niveau supérieur. Voici les principes et leur signification:

01. Squash et étirement

Le principe du squash and stretch est considéré comme le plus important des 12 principes de l'animation. Lorsqu'il est appliqué, il donne à vos personnages et objets animés l'illusion de gravité, de poids, de masse et de flexibilité. Pensez à la façon dont une balle en caoutchouc qui rebondit peut réagir lorsqu'elle est lancée en l'air: la balle s'étire lorsqu'elle se déplace de haut en bas et s'écrase lorsqu'elle touche le sol.

Lors de l'utilisation de squash et d'étirement, il est important de garder le volume de l'objet cohérent. Ainsi, lorsque vous étirez quelque chose, il doit devenir plus mince, et lorsque vous écrasez quelque chose, il doit s'élargir.

02. Anticipation

L'anticipation aide à préparer le spectateur à ce qui va se passer. Lorsqu'il est appliqué, il a pour effet de rendre l'action de l'objet plus réaliste.

Réfléchissez à ce que cela pourrait donner si vous sautiez en l'air sans plier les genoux, ou peut-être que vous lanciez une balle sans d'abord tirer votre bras en arrière. Cela semblerait très artificiel (il n'est peut-être même pas possible de sauter sans plier les genoux!). De la même manière, animer des mouvements sans un scintillement d'anticipation rendra également votre mouvement gênant, périmé et sans vie.

03. Mise en scène

La mise en scène dans l'animation ressemble beaucoup à la composition dans une illustration. Ce que nous entendons par là, c'est que vous devez utiliser le mouvement pour guider l'œil du spectateur et attirer l'attention sur ce qui est important dans la scène. Restez concentré sur ce qui est important dans la scène et réduisez au minimum le mouvement de tout ce qui n'est pas important.

04. Action directe et pose pour poser

Il existe deux façons de gérer l'animation de dessin: droit devant et pose pour poser. Chacune a ses propres avantages et les deux approches sont souvent combinées. L'action directe consiste à dessiner image par image du début à la fin. Si vous recherchez des mouvements fluides et réalistes, l'action directe est votre meilleur pari.

Avec la technique de pose à pose, vous dessinez l'image de début, l'image de fin et quelques images clés intermédiaires. Ensuite, vous revenez en arrière et terminez le reste. Cette technique vous donne un peu plus de contrôle dans la scène et vous permet d'augmenter l'effet dramatique du mouvement.

05. Action de suivi et chevauchement

Lorsque des objets s'arrêtent après avoir été en mouvement, différentes parties de l'objet s'arrêtent à des rythmes différents. De même, tout sur un objet ne se déplacera pas au même rythme. Cela constitue l'essence du cinquième des principes d'animation de Disney.

Si votre personnage traverse la scène, ses bras et ses jambes peuvent bouger à une vitesse différente de celle de la tête. C'est une action qui se chevauche. De même, lorsqu'ils arrêtent de courir, leurs cheveux continueront probablement à bouger pendant quelques images avant de se reposer - c'est un suivi. Ce sont des principes importants à comprendre si vous voulez que votre animation se déroule de manière réaliste.

06. Ralentissez et ralentissez

La meilleure façon de comprendre les ralentissements et les ralentissements est de réfléchir à la façon dont une voiture démarre et s'arrête. Il commencera à bouger lentement, avant de prendre de l'élan et de s'accélérer. L'inverse se produira lorsque la voiture freine. Dans l'animation, cet effet est obtenu en ajoutant plus d'images au début et à la fin d'une séquence d'actions. Appliquez ce principe pour donner plus de vie à vos objets.

07. Arc

Lorsque vous travaillez dans l'animation, il est préférable de s'en tenir aux lois de la physique. La plupart des objets suivent un arc ou une trajectoire lorsqu'ils se déplacent et vos animations doivent refléter cet arc. Par exemple, lorsque vous lancez une balle en l'air, elle suit un arc naturel alors que les effets de la gravité terrestre agissent sur elle.

08. Action secondaire

Les actions secondaires sont utilisées pour soutenir ou souligner l'action principale en cours dans une scène. L'ajout d'actions secondaires permet d'ajouter plus de dimension à vos personnages et objets.

Par exemple, le mouvement subtil des cheveux de votre personnage pendant qu'il marche, ou peut-être une expression faciale ou un objet secondaire réagissant au premier. Quoi qu'il en soit, cette action secondaire ne doit pas détourner l'attention de l'action principale.

09. Calendrier

Pour ce principe d'animation, nous devons examiner à nouveau les lois de la physique et appliquer ce que nous voyons dans le monde naturel à nos animations. Dans ce cas, l'accent est mis sur le timing.

Si vous déplacez un objet plus rapidement ou plus lentement qu'il ne le ferait naturellement dans le monde réel, l'effet ne sera pas crédible. Utiliser le bon timing vous permet de contrôler l'humeur et la réaction de vos personnages et objets. Cela ne veut pas dire que vous ne pouvez pas pousser un peu les choses (surtout si vous créez un monde imaginaire) - mais si vous le faites, soyez cohérent.

10. Exagération

Trop de réalisme peut ruiner une animation, la faisant paraître statique et ennuyeuse. Au lieu de cela, ajoutez une certaine exagération à vos personnages et objets pour les rendre plus dynamiques. Trouvez des moyens de repousser les limites juste au-delà de ce qui est possible, et vos animations apparaîtront.

11. Dessin solide

Vous devez comprendre les bases du dessin. Cela comprend la connaissance comment dessiner dans l'espace tridimensionnel et comprendre la forme et l'anatomie, le poids et le volume, les lumières et les ombres.

Bien que vous puissiez également repousser les limites ici, il est important de rester cohérent. Si votre monde a des portes bancales et une perspective déformée, gardez cette perspective tout au long de l'animation. Sinon, les choses s'effondreront.

12. Appel

Vos personnages, vos objets et le monde dans lequel ils vivent doivent séduire le spectateur. Cela comprend un design facile à lire, un dessin solide et une personnalité. Il n'y a pas de formule pour y parvenir, mais cela commence par un fort développement du personnage et la capacité de raconter votre histoire à travers l'art de l'animation.

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