La hotlist des illustrateurs 2019
L’illustration est bien plus que de jolies images - au mieux, elle peut refléter des problèmes sociaux et politiques et montrer qu’il n’existe pas de manière unique de voir le monde ou ses habitants. Nous avons rassemblé les 16 illustrateurs les plus en vogue travaillant dans le monde entier aujourd'hui, tous avec des styles et des vues uniques. Tout le monde sur la liste fait quelque chose de nouveau et d'excitant, que ce soit dans son processus, son style, sa voix ou son approche.
Tout comme avec Hotlist des illustrateurs de l'année dernière , les illustrateurs présentés ont des parcours variés. Certains ont plus d'un portfolio de conception graphique , d'autres ont une formation en conception d'interactions et d'autres en animation. Leurs outils varient également énormément - alors que certains sont résolument dévoués à l'analogique et explorent ses nombreux potentiels, d'autres explorent les possibilités de Logiciel 3D et des outils de réalité augmentée.
Ce qui unit ces illustrateurs, cependant, c'est leur habileté à utiliser la couleur, la narration, l'humour et une touche de magie intangible pour distiller des histoires ou des idées souvent complexes en une seule image. Continuez à lire et profitez des meilleurs illustrateurs travaillant aujourd'hui ...
01. Inji Seo
Illustrateur sud-coréen Inji Seo a un talent séduisant avec l'ombre et la perspective, créant son propre univers distinctif à partir d'éléments qui semblent habituellement familiers, mais deviennent étranges et merveilleux. La pastèque prend l'apparence de formes de vie extraterrestres collantes, tandis que de vastes paysages naturels sont parsemés d'énormes fraises et d'étranges petits corps nus.
Inji a grandi dans ce qu'elle décrit comme la «ville traditionnelle» de Gyeongju. «J'ai eu plus de chance de me rapprocher de la culture orientale et traditionnelle coréenne que les autres [illustrateurs]», dit-elle.
Elle travaille avec l'aérographe couplé à des lignes et des couleurs fortes, principalement en utilisant TVPaint et After Effects pour les animations, et Photoshop dans son travail d'illustration. Elle vise à créer des images qui semblent «fortes», dit-elle, et ses femmes rondes sont progressivement devenues des messages féministes subtils dans son travail. Pourtant, elle dit qu’ils n’ont pas été créés avec la politique féministe à l’esprit.
02. Prenez Vagner
Prenez Vagner a grandi sur l'île russe de Sakhaline, qui est entourée par un océan à proximité du Japon. Son père était un marin qui rapportait souvent des bibelots, des bandes dessinées et des bonbons du Japon, et l'esthétique frappante de ceux-ci a ensuite directement informé le travail de Vagner aujourd'hui. Les jouets et les puzzles de son enfance se retrouvent fréquemment dans ses compositions, elles-mêmes inspirées de l’art et du design japonais traditionnels, tels que les compositions de Hokusai, ainsi que des mangas et dessins animés qu’elle aimait dans son enfance.
Là où ces motifs prennent une nouvelle vie, c'est dans leur placement par Vagner aux côtés de l'imagerie des jouets soviétiques populaires de son enfance: les Rubik’s Cubes, Jenga, les toupies («Chaque enfant en possédait une en Union soviétique») et les poupées en papier. «Il y a un étrange sentiment de mouvement dans ces choses, et elles semblent très intéressantes visuellement», dit Vagner. Ils ont certainement attiré l’attention de nombreux admirateurs - notamment le directeur de la création de l’ancien One Directioner Harry Styles, qui a contacté Vagner pour créer une série d’images pour la pop star.
03. Alva Skog
Il est juste de dire que l’année dernière a été un peu moins bonne pour un illustrateur suédois basé à Londres Alva Skog , et elle semble s'appuyer sur ce succès en 2019.
L'année où elle a obtenu son diplôme en graphisme à Central Saint Martins, elle a également vu son travail d'exposition au V&A et figurer sur des listes de diplômés à surveiller sur des listes telles que Creative Review, It's Nice That, et Computer Arts's New Talent Roundup - le meilleur design et illustration diplômés britanniques.
Elle utilise des techniques comme «des perspectives extrêmes et jouer avec la taille des différentes parties du corps» pour créer un sentiment de dynamisme et de mouvement. «J'aime utiliser une perspective basse pour que vous regardiez les personnages, ce qui les rend puissants», ajoute Skog. «Je dessine aussi souvent les personnages qui font de grands sauts, on dirait qu’ils se dirigent quelque part avec confiance. Aujourd'hui, il est très courant de dépeindre les femmes comme heureuses, jolies et hétéronormativement sexy. J'en suis très conscient et j'essaie de ne pas sexualiser les personnages de mes dessins. Au lieu de cela, je veux les autonomiser et attirer l'attention sur la dynamique de pouvoir de la société contemporaine.
04. Karan Singh
' Karan Singh Le travail de cet artiste est extrêmement dynamique et plein d’énergie et de tension », déclarent les cofondateurs de l’agence d’illustration Outline Artists, Camilla Parsons et Gavin Lucas, qui ont récemment recruté le célèbre illustrateur comme signature la plus récente de leur liste. «Son travail est percutant et saisissant et Karan lui-même est super efficace et travailler avec lui est une joie. C'est probablement pourquoi le téléphone n'a pas cessé de sonner avec des gens qui voulaient qu'il prête sa magie visuelle particulière à leur marque », ajoutent-ils.
Karan, qui est né à New Delhi mais a grandi à Muscat, Oman et Sydney, Australie, est autodidacte en illustration, ayant étudié le design d'interaction, et son travail vibrant et dynamique puise directement sur les sensibilités de la conception graphique du milieu du siècle et porte un amour de l'art optique et du minimalisme.
05. Joana Avillez
«Si je pouvais dessiner comme n'importe qui, ce serait Joana Avillez », Explique l'écrivain et podcasteur Liv Siddall, qui a d'abord rencontré le travail de l'illustrateur américain en tant qu'éditorial visuel pour Die Zeit sur le père d'Avillez.
Avillez décrit son style comme «lâche mais spécifique. Diaristique, personnel, en tête-à-tête. Elle prend plaisir à intégrer l'humour dans les détails: 'J'aime le plus une ligne amusante!' Ces gags utilisent souvent sa ville natale de New York comme configuration et ligne de frappe: Avillez a grandi dans un marché aux poissons sur l'East River. «Tout le quartier sentait mauvais, alors seules quelques personnes y vivaient», dit-elle. «La maison dans laquelle j'ai grandi était composée de
des poutres anciennes, dont certaines portaient des graffitis de marins irlandais. Parfois, il y avait un crabe à ma porte quand j'allais à l'école le matin.
Observer les gens pour Avillez, c'est «comme observer les oiseaux pour moi», dit-elle, «et cela doit être le résultat de mon enfance à New York… Je savoure la fête des piétons et leurs attitudes vestimentaires exhibitionnistes. Que ce soit New York, Durango ou Lisbonne, mon attention est toujours tournée vers la même chose: les gens et la manière particulière dont ils se présentent dans leur monde. '
06. Derek Ercolano
Derek Herculanum Son œuvre est délicieusement sombre, traitant du côté ésotérique du psychédélisme et rappelant les mondes étranges tissés dans The Holy Mountain du cinéaste chilien-français Alejandro Jodorowsky dans sa manière particulière de distiller une idée dans une image. Ses textures, ses couleurs et la conception de ses personnages ressemblent à un mariage du brouillard gris et norvégien qui éclipse souvent sa maison de Bergen et des mondes fantastiques vus dans le film Fantastic Planet de l'animateur français René Laloux de 1973.
Ercolano a déménagé en Norvège il y a environ sept ans, laissant derrière lui un emploi d'agence de publicité dans son New York natal. Il s'était retrouvé à rallonger encore plus les journées déjà longues en restant tous les jours après le travail pour dessiner. Il a développé son style d'illustration en expérimentant une vaste gamme de processus, en commençant par le stylo et le papier, puis en scannant son travail et en expérimentant la manipulation numérique. Le mélange du numérique et de l'analogique se joue dans son style intrigant, qui à l'œil nu rend un processus difficile à décomposer.
Au cœur de sa méthode d'illustration est l'idée de maintenir une chaleur et une humanité dans des images créées numériquement; tisser des textures complexes à travers des palettes monochromes austères. Son travail est éclairé par une vaste gamme d'éphémères étranges et merveilleux - du vieil art de l'aérographe, aux monstres et mutants, à la science-fiction en passant par «même des trucs d'un magazine amateur d'extraterrestres», dit-il.
07. Liam Cobb
Liam Cobb Le travail commence généralement par un croquis au crayon, avant d’utiliser du papier de mise en page pour tracer l’image avec un crayon fin, de la numériser, puis d’utiliser Photoshop pour ajouter de la couleur et de la texture. Parfois, il s'aventure dans l'encre et la peinture, mais pour nous, son plus beau travail est celui qui possède la texture et les couleurs distinctives de l'impression Riso.
Cette technique est au cœur d'une grande partie du travail de Liam, et l'illustrateur aime «expérimenter avec différentes couleurs et motifs, ce qui me permet de créer des images vraiment intéressantes», dit-il. «Je ne sais jamais à 100% à quoi cela va ressembler d’un fichier numérique à l’impression. Cela peut tellement varier sur les plus petits facteurs tels que les nuances de papier et les différentes nuances de la même couleur. C'est vraiment excitant!'
08. Jui-Che Wu
«Mes ciseaux sont mon meilleur ami», déclare un illustrateur basé à Londres, né à Taiwan Jui-Che Wu . Son approche très inhabituelle du collage témoigne suffisamment de cette amitié. Le travail de Wu est souvent simple mais très poétique, un rappel aux poèmes passés de l’illustrateur et sa prédilection pour l’abstraction.
Le processus de Wu est principalement analogique, mettant en place du papier découpé à la main et trouvé des images pour comprendre des compositions. Parfois, il numérise les découpes physiques et les pièces de finition à l'aide de Photoshop. «J'aime les formes organiques et nettes, qui pourraient ne pas être réalisées par le dessin ou la peinture», dit l'artiste. «J'aime aussi mélanger les matériaux pour donner aux images plus de couches et de complexité.»
Parallèlement à l’illustration de Wu, il travaille également dans le design graphique, et les deux facettes de son talent visuel s’informent et s’inspirent mutuellement. «Parfois, j’ai l’impression d’utiliser le processus de conception graphique pour illustrer, et je pense que c’est l’avantage qui vient de mon expérience en conception graphique», dit-il.
09. Max Guther
Illustrateur basé à Berlin Max Guther ne manque pas de fans, et ses scènes surréalistes, mi-réalistes, mi-dystopiques montrent clairement pourquoi. Le style de Guther s'est progressivement développé au fil du temps et à l'université, il a travaillé la typographie et la photographie aux côtés de l'illustration. «Au bout d'un moment, j'ai découvert le collage», dit-il. Au début, il utilisait Photoshop «et beaucoup de transformation» pour créer des collages isométriques, mais «a découvert que ce processus prendrait trop de temps pour réussir en tant qu'illustrateur où le temps et l'échéance sont une limite». En conséquence, il est entré dans le pays de la 3D et des mondes extrêmement complexes qu'il construit aujourd'hui.
Guther dit: «J'aime regarder les grands paysages où il y a beaucoup à découvrir». «C'est pourquoi j'ai mis beaucoup d'efforts dans les détails dans mes illustrations. Pour moi, c’est un moyen d’attirer l’attention des gens - c’est peut-être une chaise de grand-mère ou la voiture d’un voisin, mais augmenter certains éléments familiers fait appel aux souvenirs et aux expériences des gens. » Il ajoute: «L’avantage du travail numérique est que je suis capable de déplacer et de faire pivoter des éléments avec le recul et que je peux donc me concentrer sur ma« composition parfaite »personnelle, même avec des délais serrés.»
10. Polly Nor
Si vous avez déjà été dans le puits de temps moderne qu'est Instagram, ou si vous avez même un intérêt passager pour la culture visuelle, alors il est probable que vous ayez vu le travail de Polly Nor . Elle a attiré un énorme succès pour ses représentations souvent hilarantes et souvent plutôt sombres de «femmes et leurs démons», traitant d'un mariage irrésistible de satire et de vérité absolue sur ce que signifie être une femme aujourd'hui.
Ni travaille à travers l'illustration dessinée à la main et numérique, et plus récemment la sculpture et l'installation, se concentrant sur des thèmes autour de l'identité, de la sexualité féminine et de «l'agitation émotionnelle» inspirée par ses expériences d'être une femme à l'ère d'Internet. Naturellement, être une femme travaillant sur Internet est son propre défi.
«Je reçois beaucoup de commentaires étranges», dit-elle. «Je reçois des théoriciens du complot qui pensent que je suis en fait un gars, des gens qui pensent que je suis un sociopathe et d’autres qui pensent que je fais partie des illuminati - j’adore celui-là. Mais dans l'ensemble, la plupart des commentaires sont complémentaires. 'Quelqu'un a déjà posté:' Notre art rend mon cœur et mon cerveau excités de réfléchir. 'Je pensais que c'était une bonne idée.'
11. Sophy Hollington
Dans un monde de supercheries numériques brillantes, le travail de Sophy Hollington est instantanément frappant pour sa fierté de montrer les marques de la main humaine et le processus d'impression. Travaillant dans la linogravure, Hollington ne prend pas la voie facile - le processus prend du temps (et souvent des saignements des doigts) - mais son dévouement à son métier en vaut toujours la peine.
Nous avons été époustouflés par son travail pour A Message from Earth, un projet qui a marqué le 40e anniversaire des disques Golden Record, qui a pris la forme de deux disques phonographiques en cuivre plaqué or de 12 pouces «contenant des sons et des images sélectionnés pour représenter le diversité de la vie et de la culture sur Terre », comme le dit la NASA. Ici, le travail de Hollington était animé par endroits, et les textures brutes et les sensibilités traditionnelles de son esthétique rendaient ces GIF d'autant plus, enfin, d'un autre monde.
Maintenant basée à Brighton, les thèmes de Hollington vont du 'folklore fulgurant au maniérisme', dit-elle, et sa passion réside dans 'la lutte contre les idées les plus extravagantes pour les rendre totalement tangibles'. Parmi les clients avec lesquels elle a travaillé figurent le New York Times, le New Yorker, Bloomberg Businessweek, It’s Nice That, AIGA et le V&A.
Lorsqu'elle ne dessine pas ou ne coupe pas de lino, l'artiste joue de la guitare dans le groupe Novella. N'y a-t-il rien qu'elle ne puisse pas faire?
12. Ashley Lukashevsky
Originaire d'Honolulu mais maintenant basé à LA, Ashley Lukashevsky Le travail de sachets un punch à la fois visuellement et dans ses intentions. Son travail commence généralement avec du papier et un stylo, puis elle numérise ou photographie les images et les termine à l'aide de Procreate pour ajouter des couches de couleur et de détail. Ayant précédemment travaillé en grande partie avec le design graphique, l'artiste voit que ces compétences en typographie, théorie des couleurs et mise en page «se prolongent définitivement dans mon travail d'illustration. Je pense souvent à mes illustrations comme à de petits projets de conception - juste beaucoup plus amusants et lâches. '
Lukashevsky a emprunté une voie inhabituelle à l'illustration, après avoir étudié les relations internationales et appris les études de genre et la sociologie. Ce n’est qu’aux élections américaines de 2016 qu’elle a commencé à utiliser son art comme une forme d’activisme créatif. «Je crois en un impératif moral d'utiliser vos compétences pour œuvrer à la libération», dit-elle. «[En tant qu'illustrateurs], nous avons bien plus à offrir que d'être simplement des usines de contenu pour les entreprises.»
En tant que tel, son travail dépeint «des femmes et des personnes non binaires qui ne sont généralement pas amplifiées dans les médias grand public. Des personnes qui ne voient pas souvent des images puissantes et complexes d’eux-mêmes et de leurs communautés qui leur sont reflétées. »
13. Ori Toor
Ori Toor est un illustrateur basé à Tel-Aviv qui décrit son travail comme «créant des mondes de style libre dans lesquels vous (et moi) nous perdez». Ayant étudié l'illustration au Shenkar College of Engineering and Design en Israël, il a depuis travaillé avec des clients tels que Adobe, Apple, Cartoon Network, Bloomberg, Wired et Nike; ainsi que de s'amuser avec un tas de projets auto-initiés.
Plutôt gentiment, il nous dit que la plus grande influence sur sa démarche d'illustration est «ma maman, qui dessinait des tapis. Mon style ressemble de plus en plus au sien. Bien que nous n'ayons pas vu les créations de tapis de sa mère, nous parions qu'il y a quelques différences, car il décrit son style comme du «charabia» et un «récit visuel non linéaire qui utilise la toile pour transcender le temps. et l'espace. Donc en gros, je griffonne.
Toor fonctionne avec Photoshop, en commençant toujours par une toile vierge. Il prend plaisir à juxtaposer des formes géométriques et des dessins plus organiques et de forme libre. «Je découvre les choses au fur et à mesure», dit-il. 'La coloration commence à mi-chemin et revient au dessin au trait et revient à la coloration encore et encore.'
14. Barbara Malagoli
Barbara Malagoli se décrit comme une graphiste brésilienne / italienne avec un style qui est un «équilibre entre formes graphiques et textures douces, ayant toujours à l'esprit de représenter le féminin d'une manière sensuelle et spirituelle.» Elle ajoute: «Mon travail est axé sur les compositions, les formes, les textures vibrantes et les couleurs vives.»
Avant de devenir illustratrice indépendante, Malagoli a travaillé dans des magazines de mode et des studios de design, et considère ce parcours multidisciplinaire comme ayant enrichi son art aujourd'hui. Elle commence son travail en dessinant à la main, avant de passer à Illustrator puis Photoshop.
Si une grande partie de son travail est destinée à des clients commerciaux, l'artiste revient sur une résidence artistique à Paris comme un temps fort de sa carrière. «Avoir la liberté de créer une exposition à partir de zéro à partir des expériences sur place était très spécial pour moi, car voyager me fait toujours réfléchir sur ma propre histoire et m'apporte beaucoup d'inspiration pour la création de nouvelles pièces», dit-elle.
15. Bruno Mangyoku
Travailler à travers l'illustration, l'animation et la réalisation, basé à Paris Bruno Mangyoku Son travail réussit à être à la fois lisse et texturé, et lui a permis de remporter de nombreuses commandes de grands noms de Wired, Red Bull et Monocle.
L’éducation de Mangyoku s’est principalement concentrée sur l’animation, étant diplômée de l’école d’art parisienne Gobelins, L’École de l’Image. «Je pense que je suis un bon exemple de quelqu'un qui a réussi à travailler dans le domaine de l'illustration, sans avoir suivi une formation axée sur l'illustration», dit-il. 'Travailler dans l'animation m'a appris les bases du dessin et de la composition d'images.'
Alors qu'une grande partie du travail de l'illustrateur montre son habileté à dessiner des rendus détaillés de lieux et de scènes, il décrit son style comme «axé sur les personnages, car je ne peux pas imaginer une pièce sans me concentrer d'abord sur les personnages. C’est ce que je fais le mieux, dessiner des gens. » Habituellement, il travaille avec une combinaison de Photoshop ou d'Animate, bien que son travail personnel le voit également se plonger dans la peinture à la gouache.
16. Parc Haejin
Un autre illustrateur montrant comment cela fonctionne en matière de processus artisanaux est la Corée du Sud, basée à Brooklyn. Parc Haejin . Travaillant à l'aquarelle, Park a étudié l'illustration à la Rhode Island School of Design, obtenant son diplôme en 2015, et a déjà travaillé avec des clients de premier plan, notamment le New York Times, Lenny Letter, Vice, Medium et Buzzfeed. Elle décrit son travail comme «coloré, amusant, libre, enfantin, joyeux et curieux».
Le travail de Park regorge de personnages magiques, presque folkloriques. 'Je pars d'un personnage ou d'une couleur à l'esprit qui crée l'ambiance et met en place le reste du travail,'
elle explique. «Les personnages sont très abstraits, et j'aime construire beaucoup de nouveaux personnages et le monde qui l'entoure. Je crois que tout ce que je dessine vient de mon expérience personnelle et privée, et je sais exactement à quoi cela doit ressembler dans mon esprit.
Le médium est crucial pour la sensation de telles images et ajoute à l'aura de mystère et d'un autre monde. «J'aime la fluidité et la texture du papier aquarelle et je me sens incroyablement chanceux et heureux d'être devenu à l'aise avec le support», déclare Park.
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