Comment améliorer l'art de votre personnage
Lorsque vous êtes chargé de créer un conception de personnages à partir de zéro, pensez à la personnalité de ce personnage. Mettez-vous dans leur état d'esprit et identifiez leurs motivations, leurs talents et leurs ambitions. Il ne s’agit pas seulement de comment dessiner une forme intéressante ou un beau visage. Vous devez informer le spectateur des histoires derrière ce visage. Assurez-vous que l'expression d'un personnage - même juste ses yeux - en dit long sur lui.
Le processus créatif est personnel, donc chaque artiste a sa propre approche du flux de travail. Je partage la mienne ici, mais vous pouvez toujours trouver un moyen d'adapter ces idées à votre propre processus créatif plutôt que de les utiliser en gros, si vous préférez.
Une approche disciplinée de l'amélioration de soi va également très loin si vous souhaitez améliorer l'art de votre personnage. Oui, le talent et les cours vous aident, mais vous pouvez également accomplir beaucoup de choses simplement en restant concentré sur vos objectifs.
01. Prenez l'habitude de dessiner
Le dessin est une compétence qui s'améliorera avec le temps que vous passerez à le faire. Choisissez un sujet et passez au moins trois heures à le décrire. C’est un excellent moyen de comprendre les principes fondamentaux de l’art: l’anatomie, la composition, la couleur et les valeurs. Dessiner des statues m'a aidé à apprendre l'éclairage et l'ombrage.
Étudiez les références pendant une heure, puis essayez de les dessiner de mémoire. Cela aidera à enrichir la bibliothèque visuelle de votre cerveau. Mais ne perdez pas de temps à mémoriser de petits détails. Concentrez-vous plutôt sur les formes géométriques plus grandes, car elles seront plus faciles à retenir. Ne vous compliquez pas les choses.
02. Étudiez les personnages de la culture pop
Les livres ou les films permettent d'accéder facilement à des mondes pleins d'inspiration et de références. En particulier, ce seront des personnages - tous avec des histoires différentes - qui vous aideront à donner vie à vos propres personnages. Je m'inspire beaucoup des films et de l'animation.
Par exemple, lorsque je veux créer un personnage pervers, je regarde des films mettant en vedette mes méchants préférés. Ensuite, j'essaie de comprendre pourquoi ils ont l'air effrayant, effrayant ou simplement comment ils respirent la «méchanceté»! Peut-être que ce sont les yeux, le sourire ou la forme de la tête? Je prends des notes et examine un autre méchant. Cette approche m'aide à construire mon propre méchant. Dressez une liste de personnages issus de la culture populaire dans laquelle vous pourrez puiser chaque fois que vous avez besoin de développer vos propres idées.
03. Créez votre propre bibliothèque visuelle
S'il est utile d'étudier les personnages de la culture pop, il est également utile de passer du temps à créer votre propre fichier de références visuelles.
J'utilise habituellement Pinterest pour enregistrer mes images de photos réelles, des captures d'écran de jeux vidéo, d'acteurs en costume, d'art de production de jeux et même d'exemples d'images d'artistes que je suis en ligne. J'ajoute toujours à mes pages Pinterest pour qu'elles ne deviennent pas obsolètes. Être organisé est une partie importante de votre routine de référence.
04. Choisissez vos outils
Ne laissez pas vos outils vous définir. Oui, il est utile d'avoir un ordinateur rapide, mais les débutants doivent s'en tenir aux bases. Au fur et à mesure que vos compétences s'améliorent et que vous commencez à gagner de l'argent, investissez progressivement dans un kit plus récent et meilleur. Quand j'ai commencé, j'avais un PC normal et une petite tablette Genius. Un carnet de croquis m'a permis de pratiquer n'importe où.
Mon autre outil clé est Photoshop CC , mais les seuls aspects que j'ai personnalisés sont les pinceaux et certains raccourcis. Les outils numériques ne vous aideront pas à vous améliorer seuls, mais peuvent être un avantage si vous vous sentez à l'aise de les utiliser. Par expérience, j’ai remarqué qu’un artiste plus détendu sera plus productif.
05. Commencez par dessiner des courbes
Une fois que vous avez une idée de l'apparence de votre personnage, il est temps de griffonner! Commencez par créer des vignettes. Ignorez les détails pour le moment et posez plutôt les formes plus grandes.
Je commence toujours par des courbes plutôt que des lignes droites afin de pouvoir réchauffer ma main et garder les choses lâches et organiques, ce qui est un facteur clé dans mon art. Si vous peignez l’anatomie féminine, les courbes sont une priorité. En revanche, une figure composée principalement de lignes droites signifie généralement qu'il s'agit d'un personnage fort et stable.
Pour être honnête, je ne me sens pas à l'aise de commencer avec un concept approximatif, mais cette étape est cruciale. Vous devez être satisfait de votre idée, car vous travaillerez dans cet espace et à l'intérieur de ces lignes à mesure que le concept se développera.
06. Dessinez le visage et les yeux
Un aspect clé de mes personnages est leur expression faciale, et la caractéristique la plus importante est les yeux. Ils sont la première chose que votre spectateur remarquera. Vous voulez donc qu’ils aient le bon impact.
Les petits élèves indiqueront des sentiments tels que la colère, la surprise, la peur et l'excitation, tandis que les grands élèves vous aideront à transmettre des émotions de tristesse ou de bonheur. Les paupières baissées peuvent signifier qu'elles sont confiantes, arrogantes ou fatiguées, selon la façon dont vous peignez les sourcils. Une bonne expression commencera toujours par les yeux. J'ai tendance à dessiner le visage avant de définir la forme de la tête.
07. Créer des poses et un langage corporel
Il est important que la pose du corps d'un personnage complète son expression faciale. Par exemple, vous pouvez accomplir tant de choses avec des mains intéressantes. Je me rends compte qu’il est difficile de dessiner les mains , mais ils sont un excellent moyen de transmettre des émotions et attireront toujours l’œil du spectateur. Les mains peuvent aider à exagérer un geste du bras, interagir avec le corps du personnage ou même transmettre une émotion plus forte qu'une expression faciale.
Ensuite, je pense à la forme du corps. J'essaie toujours de créer une sensation de poids tangible. Tous les aspects du corps d'un personnage - le nez, les cheveux, les mains, les épaules, le costume, les bras, les jambes, etc. - doivent être affectés par la gravité. Cela contribue à améliorer le réalisme de la conception.
08. Conserver les meilleurs aspects d'un croquis
J'ai esquissé ce personnage il y a quelque temps. Mon objectif était d'améliorer ma connaissance de l'anatomie féminine tout en conservant un aspect de carnet de croquis lâche. Je suis resté simple et je me suis concentré sur les valeurs et sur la représentation des principaux repères anatomiques. Son visage était mon objectif principal, les lignes plus amples suggérant une robe de la période de la Renaissance.
L'équipe ImagineFX m'a demandé de travailler sur le croquis pour la couverture du magazine . Avant de peindre, je refais le travail au trait pour supprimer la distraction des valeurs existantes. J'essaie de recréer les volumes et l'ambiance avec de simples coups de pinceau, en accordant plus d'attention aux yeux et au visage, et en jouant avec les textures. Je veux que mon personnage ait une vision sévère.
Je lisse les formes de la silhouette, comme le visage, les cheveux et la robe, ce qui contribue à créer du volume. L'ajout de textures accentue les formes dans des zones sélectives du visage et du corps. Une fois que je suis à l'aise avec les formes plus grandes, je passe aux détails. Je fixe les valeurs, j'augmente la saturation puis je l'appelle fini.
09. Utiliser la conception de costumes comme dispositif complémentaire
Considérez le corps d’un personnage comme un livre. Le spectateur commencera à lire à partir du visage, puis passera au corps. Veillez à être précis avec les informations visuelles que vous fournissez sur leur tenue. Il doit ajouter à votre caractère, pas lui nuire. Un costume doit compléter un personnage.
Une fois que j'ai grossièrement illustré ma figure dans son intégralité, je commence à ajouter des formes géométriques grandes et petites, mais évitez les détails pour le moment. Je vais souvent plonger dans ma bibliothèque visuelle et rechercher des formes et des références intéressantes qui correspondent au sujet.
10. Ajoutez de la personnalité avec la couleur
Mon approche des couleurs est simple. Je commence par des tons gris car je ne veux pas être distrait par les effets de saturation. Ensuite, j'essaie de maintenir le «message» du personnage en choisissant des couleurs qui aident à transmettre leur nature. Une personnalité plus sombre comporterait des couleurs froides et désaturées telles que le bleu, le vert et le violet. J'utiliserais des tons chauds et saturés comme le rouge, l'orange et le jaune pour des personnages plus vivants.
Parfois, je crée un peu de contraste en mélangeant des tons froids et chauds, mais pas dans les mêmes quantités: peut-être 80% de bleu désaturé et 20% de son complément, comme une orange saturée. Ces proportions seront dictées par la conception de votre personnage.
11. Créez une ambiance
Tous les personnages maléfiques n'ont pas besoin de présenter des couleurs sombres, froides et désaturées. Pourtant, il est courant d’associer cette palette à des sentiments de tristesse, de peur et de solitude, tout comme le rouge est lié au danger et le jaune à un avertissement. Il existe des associations de couleurs similaires dans le règne animal.
La plupart des décisions prises par un concepteur de personnage seront basées sur la réaction du spectateur d'une certaine manière. Si vous voulez faire quelque chose de différent, comme appliquer des couleurs vives à un personnage maléfique, il doit y avoir des éléments qui renforcent sa nature sombre, comme une anatomie étrange ou un costume déchiré. Cela garantira que les couleurs plus chaudes n'agiront pas comme une distraction.
12. Simplifier grâce à la lumière
Une fois mon dessin terminé, je peins la couleur locale - ou dans le cas des images ci-dessus, la demi-teinte. Cela servira de base. Je définis des formes avec cette demi-teinte ainsi que la silhouette de ma forme (la tête et le corps du personnage).
Je décide de la direction de ma source de lumière principale en ajoutant un ton plus sombre à ma base, ce qui m'aide à faire apparaître les ombres. La façon dont je peins la forme de mon ombre m'aidera à générer les volumes du visage.
Enfin, j'apporte des tons blancs dans les zones les plus sombres du visage de mon personnage, ce qui m'aide à créer un contraste et à le rendre plus intéressant. Je limite l'utilisation des tons blancs, car trop peut être une distraction.
13. Contrôlez les valeurs
Au début de mon apprentissage, j'ai réalisé de nombreuses études de peinture. Chaque jour, je trouvais une image de référence intéressante, pleine de formes et de contrastes, puis j'essayais de la reproduire à l'aide de mes outils artistiques. J'ai appris à créer du volume avec des valeurs, mais aussi à quel point il est facile de s'éloigner de l'esquisse originale. Si vous ne contrôlez pas vos valeurs, vous pouvez déformer l'anatomie de votre personnage.
Le visage en particulier est très délicat. Une simple ligne peut changer complètement l'expression, sans parler de plusieurs coups de pinceau. Alors restez simple et travaillez avec seulement trois valeurs. Si vous vous sentez à l'aise, vous pouvez toujours en ajouter.
14. Jouez avec les textures
Je peux utiliser des pinceaux doux et faire un rendu net sur mes personnages, mais j'aime jouer avec les coups de pinceau et ajouter des informations un peu plus intéressantes au rendu. J'étudie le travail d'artistes qui produisent des peintures numériques étonnantes: ils imitent le look traditionnel des maîtres anciens mais avec des pinceaux numériques. Pour moi, c’est une compétence incroyable. Je suis toujours fan de l’huile sur toile brute, c’est pourquoi j’essaie de capturer ce look à l’aide d’une poignée de pinceaux.
Je ne les utilise que pour l'étape de détail, car mon objectif principal est toujours de produire un dessin décent.
15. Soyez discipliné
Il n'y a qu'une seule façon de mieux évoluer en tant qu'artiste et c'est avec discipline. Si vous vous fixez des objectifs, organisez vos outils, produisez des études propres et pratiquez régulièrement, alors vous êtes sûr de vous améliorer. Et enfin, profitez de la peinture! Vous rencontrerez des difficultés de temps en temps, mais si vous aimez ce que vous faites, vous trouverez toujours une raison de continuer.
Cet article a été initialement publié dans le numéro 153 de ImagineFX . S'abonner ici .
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