Les 20 meilleures pochettes d'albums de tous les temps

Depuis des générations, la pochette d'album est un élément essentiel de l'écoute de la musique. Les médias ont peut-être changé, du vinyle aux cassettes en passant par les CD, puis récemment de nouveau au vinyle, mais les images créées pour représenter la musique de nos groupes préférés ont continué à être un élément vital et dynamique de la culture pop. Cela, et bien sûr, le tout important Clip musical .

Dans cet article, nous saluons la pochette d'album la plus emblématique de l'histoire du rock, dont certaines sont devenues plus célèbres et reconnaissables que la musique qu'elle symbolise, et dont la plupart ont également orné dessins d'affiche à travers le monde.

01. Elvis Presley (1956)

Couverture de l



La première pochette de l'album d'Elvis Presley montre The King en plein débit

Jusqu'à l'arrivée d'Elvis, les artistes étaient généralement retenus et avaient le meilleur comportement sur scène. Mais le chanteur du Mississippi qui est devenu connu sous le nom de The King a jeté ce livre de règles, poussant ses hanches dans un style ouvertement sexuel et se déchaînant avec une énergie brute et primitive.

Cette photo dramatique, prise à l'armurerie de Fort Homer Hesterly à Tampa, en Floride, par William V. 'Red' Robertson, le capture dans un flux complet et défiant les conventions. Avec son lettrage impétueux et coloré, le design de cette couverture emblématique a ensuite été repris par les punks britanniques The Clash pour la couverture de leur album de 1979, London Calling.

02. Lonely Hearts Club Band du Sgt Pepper par les Beatles (1967)

Couverture du Sgt Pepper, mettant en vedette les Beatles et un grand nombre de célébrités

La reprise du Lonely Hearts Club Band du Sgt Pepper a marqué la fin de l'ère moptop des Beatles et le début de quelque chose de nouveau

Alors que les sensations pop de Liverpudlian, les Beatles ont commencé comme des vadrouilles adorables, ils ont rapidement été influencés par la contre-culture des années soixante de fumer du pot et de protester, et leur musique a commencé à prendre de nouvelles directions radicales. Cela a culminé avec le Lonely Hearts Club Band du Sgt Pepper, qui est largement reconnu comme étant le premier album concept de rock.

La couverture comporte deux versions des Beatles. Le premier est le vrai groupe, habillé comme le groupe fictif du Lonely Hearts Club Band du Sgt Pepper; les autres sont des sculptures de cire. Mais les vraies stars ici sont les découpes en carton grandeur nature de personnages célèbres, de Karl Marx à Marilyn Monroe.

Conçu par les artistes pop Peter Blake et Jann Haworth et basé sur un dessin à l'encre de Paul McCartney, cela s'est avéré être l'une des pochettes d'albums les plus chères de l'histoire, en partie parce qu'ils ont dû payer tellement de gens pour utiliser leurs ressemblances. Il a également été le premier à présenter des paroles imprimées.

03. The Velvet Underground et Nico (1967)

La couverture de The Velvet Underground & Nico avec une grosse banane

Avoir Andy Warhol comme manager a ses avantages

Le premier et meilleur album de Velvet Underground, le groupe psychédélique new-yorkais dirigé par Lou Reed, est connu par les fans comme «l'album banane» en raison de l'illustration accrocheuse sur sa couverture. Ce dessin fruité est l'oeuvre de Pop Art icône Andy Warhol , qui se trouve être le manager du groupe, tandis que la couverture a été conçue par Acy R. Lehman.

Les premières versions vous permettaient de peler la peau de banane pour récupérer une banane couleur chair en dessous (utilisez votre imagination). La plupart des rééditions ultérieures n’incluaient pas cette fonctionnalité coûteuse à produire, et les pressages originaux valent donc une petite fortune sur le marché des collectionneurs.

04. Côté obscur de la lune de Pink Floyd (1973)

Prisme transformant la lumière blanche en un arc-en-ciel de couleurs

La couverture Dark Side of the Moon est l'une des plus reconnaissables de l'histoire du rock

Même les gens qui n’ont jamais entendu parler du groupe de rock britannique Pink Floyd reconnaîtront probablement la pochette emblématique de leur album de 1973 Dark Side of the Moon, qui montre une lumière blanche passant à travers un prisme pour créer un spectre de couleurs. Il a été créé par Aubrey Powell et Tempête Thorgerson de Hipgnosis, les créateurs de certaines des pochettes d’albums les plus connues de l’histoire, notamment Houses of the Holy de Led Zeppelin, Never Say Die de Black Sabbath et Lovedrive du Scorpion.

Ils ont proposé le concept, inspiré d'une image d'un prisme trouvée dans un livre de photographie, après une séance de brainstorming d'une nuit. Le design a soulevé des sourcils à l'époque pour ne pas inclure le nom du groupe ni le titre de l'album.

05. Never Mind The Bollocks par les Sex Pistols (1977)

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La pochette qui a établi au tribunal, une fois pour toutes, qu'on pouvait mettre un mot grossier sur un album

Alors que l'ère psychédélique a vu les pochettes d'albums présenter des illustrations complexes, surréalistes et somptueuses, le punk a tout dépouillé à son strict minimum. Et le premier album des punk rockers les plus bruyants et les plus en colère de Grande-Bretagne, Sex Pistols, conçu par Jamie Reid , était une véritable déclaration d'intention.

L'utilisation de l'obscénité, exprimée dans le genre de lettrage découpé communément associé aux notes de rançon criminelles, a choqué le public de l'époque. L'effet a été accentué par la palette de couleurs sinistre de la pochette, basée sur une série d'autocollants distribués par le mouvement politique situationationaliste (les originaux se lisent: «Ce magasin accueille les voleurs à l'étalage»).

L'utilisation de «bollocks» (un terme en anglais britannique qui signifie à la fois «non-sens» et «testicules») a conduit à une descente de police dans un magasin de disques Virgin qui stockait le disque. Dans le procès qui en a résulté, Virgin a été défendue avec succès contre des accusations d'obscénité par John Mortimer, maintenant mieux connu comme l'auteur de Rumpole of the Bailey. En quittant la salle d'audience, le chanteur du groupe, Johnny Rotten, s'est joyeusement exclamé à un journaliste: «Super! Bollocks est légal. Bollocks! Bollocks! Bollocks! '

06. Plaisirs inconnus par Joy Division (1979)

Motif noir et blanc représentant les ondes radio

Cette image de couverture d'album emblématique est basée sur des données astronomiques

Lorsque le groupe post-punk de Salford, Joy Division, a sorti son premier album, il n’a pas vraiment mis le feu au monde. Mais aujourd'hui, il est considéré comme un classique et sa pochette fascinante, conçue par Peter Saville , orne des millions de T-shirts et d'affiches dans le monde.

C’est le guitariste principal du groupe, Bernard Sumner, qui a initialement choisi l’image. C'est une visualisation des ondes radio émises par un pulsar; une étoile à neutrons créée après l'effondrement d'un soleil mourant sur lui-même.

Initialement nommé CP 1919, le pulsar en question avait été découvert en novembre 1967 par l'étudiante Jocelyn Bell Burnell et son superviseur Antony Hewish à l'Université de Cambridge. Sumnar a trouvé l'image dans l'Encyclopédie des sciences de Cambridge; Saville l'a ensuite inversé du noir sur blanc au blanc sur noir et l'a imprimé sur une carte texturée.

07. Rio de Duran Duran (1982)

Conception de la couverture pour Rio, montrant une femme souriante et à la mode

La pochette du Rio de Duran Duran allie Art déco et design de mode contemporain

Après toute l'agression sombre et morose du punk des années soixante-dix, beaucoup dans les années quatre-vingt étaient prêts pour le retour du plaisir et du glamour ... mais cela ne voulait pas dire qu'ils voulaient démodé et ringard. Duran Duran, un groupe de Birmingham, en Angleterre, faisait partie des chefs de file du mouvement New Romantic, qui combinait intelligemment une sensibilité d'école d'art avec le genre de styles pop-funk sur lesquels un public grand public pouvait danser.

La conception de la couverture de leur deuxième album studio, Rio, réussit le même truc. Il a été conçu par Malcolm Garrett et illustré par Patrick Nagel , qui était connue pour célébrer la forme féminine dans un style qui combinait la tradition Art déco avec des créations de mode contemporaines.

La représentation par Nagel du personnage principal de la chanson principale est magnifiquement minimaliste, avec une palette de couleurs inventive qui était instantanément accrocheuse et qui définissait les tendances.

08. Guerre par U2 (1983)

La couverture de U2

La couverture de U2's War a adopté une approche inhabituelle mais inspirée pour illustrer le concept de conflit

Le chanteur de U2 Bono est peut-être aujourd'hui connu pour avoir dîné avec les papes et les présidents. Mais alors qu'il est maintenant M. Mainstream, le début de U2 était brut, énervé et bruyant. Et avec ses chansons controversées sur la guerre et les conflits, comme Sunday, Bloody Sunday, leur troisième album studio pourrait être considéré comme l'apogée de leur jeunesse rebelle.

Plutôt que d'emprunter la voie évidente consistant à imaginer une scène de bataille, cependant, le graphiste irlandais Steve Averill a pris la décision inspirée d'utiliser à la place un enfant, transmettant puissamment la perte d'innocence créée par la guerre. Le garçon qui regarde la caméra avec intensité et inquiétude est Peter Rowen , le frère de l'artiste Guggi , qui est un ami de Bono.

Rowen est apparu sur trois albums de U2 au total, et est maintenant lui-même photographe professionnel. Il a même bouclé la boucle en tournant U2 en concert.

09. Licencié aux malades par Beastie Boys (1986)

Couverture de l

La première pochette de l'album de The Beastie Boy est parfaitement en phase avec leur humour stupide mais intelligent

À une époque où la musique était largement divisée selon le genre et la race, trois garçons juifs réunissaient le rap et le rock lourd dans un seul album, sans compromis sur l'énergie brute et coléreuse de l'un ou de l'autre.

Conçu par Steve Byram et illustré par Monde B. Omes , le concept de couverture pour Licensed to Ill était essentiellement une parodie du jet privé de Led Zeppelin; un symbole de l'excès de rock gonflé des années 70 qui n'aurait pas pu être plus éloigné des singeries du garçon d'à côté des Beastie Boys.

Et juste au cas où vous auriez besoin de l'ironie, le numéro de queue de l'avion, 3MTA3, écrit `` Eat Me '' à l'envers.

10. Peur d'une planète noire par Public Enemy (1990)

Couverture de l

La couverture de cet album de rap phare a montré une vision apocalyptique du conflit racial

Musicalement et lyriquement, le troisième album studio de Public Enemy reste l'un des albums de rap les plus inventifs et ambitieux de tous les temps. Du commentaire social mordant de 911 est une blague, sur la variance des temps de réponse de la police entre les quartiers noirs et blancs, à la rage révolutionnaire de Fight the Power, ce record a changé la donne et n'a sans doute pas encore été amélioré.

La conception de la couverture est également un classique. Le chef du groupe Chuck D, qui avait lui-même étudié le graphisme à l'Université Adelphi de New York, a proposé le concept de l'éclipse de deux mondes (une planète «noire» et la Terre). Le groupe s'est enrôlé ÊTRE. Johnson , un illustrateur de la NASA, pour créer le design, et le résultat apocalyptique est un commentaire fantastique sur la paranoïa raciale du nationalisme blanc.

11. Nevermind de Nirvana (1991)

Nevermind cover montrant un bébé nageant vers un billet d

Nevermind by Nirvana a l'une des reprises les plus insolites et les plus mémorables de tous les temps

Au début des années 1990, il semblait que la musique rock commençait à devenir obsolète et à se répéter. Puis est venu le grunge, qui a tout ramené à ses bases et a agi comme un gros bouton de `` réinitialisation '', tout comme le punk l'avait fait deux décennies plus tôt. Le deuxième album de Nirvana a introduit le grunge dans le courant dominant, après le succès de leur hit numéro un Smells Like Teen Spirit. Et sa couverture inhabituelle était pour le moins accrocheuse.

Le chanteur Kurt Cobain avait eu l'idée en regardant un documentaire télévisé sur les naissances aquatiques avec le batteur Dave Grohl. Directeur artistique de Geffen Robert Fisher ont déterré des images de stock de naissances sous-marines, mais elles étaient trop graphiques pour être mises sur un album et auraient coûté 7 500 $ pour obtenir une licence. Alors à la place, ils ont commandé un photographe Kirk Weddle pour prendre des images sur mesure dans une piscine de Pasadena pour seulement 1 000 $. (Le dollar et l'hameçon ont été ajoutés plus tard.)

L'enfant qu'il a abattu était Spencer Elden, quatre mois, le fils d'un des amis de Weddle. Il a maintenant 27 ans et travaille comme artiste à Los Angeles, tandis que Weddle a continué à être un photographe publicitaire spécialisé dans le travail sous-marin.

12. Screamadelica de Primal Scream (1991)

Couverture Screamadelica montrant un soleil avec des yeux

Unissant danse et indé, Screamadelica est venu avec une pochette d'album optimiste et dayglo

Tout au long des années 1980, le fossé entre la musique indépendante et la musique dance n'aurait pas pu être plus marqué. Puis vint acid house, extase, rave ... et tout d'un coup les fans de musique rock maussade sont devenus beaucoup plus ouverts à l'idée de rythmes répétitifs. Le troisième album de Primal Scream, qui a réuni rock, psychédélisme, dub, house et gospel dans une glorieuse concoction, a été un jalon majeur dans le crossover résultant.

Sa couverture était l'œuvre de Paul Cannell, un artiste londonien connu pour combiner une esthétique punk avec des couleurs exubérantes, en utilisant des médias inhabituels tels que la peinture de sous-couche house & shy; hold et le mastic de carrosserie. Le chanteur du groupe Bobby Gillespie a pris un détail d'une des peintures de Cannell, a changé la couleur de fond en un rouge vif, et l'image classique du «soleil» en est le résultat.

Tragiquement, Cannell s'est suicidé en 2005. Mais cette reprise classique, ainsi que son travail pour des groupes comme Manic Street Preachers, The Telescopes, Flowered Up et Shonen Knife, vivront sûrement pour une éternité. Il a même été recréé comme timbre-poste officiel en 2010, dans le cadre du Royal Mail's Collection de couvertures d'albums classiques .

13. Parklife par Blur (1994)

Couverture de Parklife avec course de lévriers

La pochette de l'album de Parklife s'approprie parfaitement la culture ouvrière

Au fur et à mesure que les années 1990 avançaient, les jeunes britanniques ont commencé à se lasser des raves alimentées par l'extase, et un vide s'est ouvert dans la culture des jeunes. Cela a été rapidement comblé par un retour aux activités démodées de l'alcool et de l'écoute de groupes de rock ... mais avec de subtiles touches d'ironie post-moderne pour garder les choses intéressantes.

Les meilleurs pour gérer cette contradiction étaient Blur; les types d'étudiants de la classe moyenne qui ont néanmoins fait appel aux masses avec leurs accents moqueurs, leurs airs influencés par Kinks et leur appropriation intelligente de la culture de la classe ouvrière. Parklife, leur troisième album studio, les a vus à l'apogée de leurs pouvoirs, de Girls and Boys, qui se moquaient des vacances du Club 18-30, à la chanson titre, qui mettait en vedette l'acteur de Quadrophenia Phil Daniels à un brillant effet comique.

Toute cette authenticité post-moderne a été complétée par une couverture brillante basée sur le sujet improbable des courses de lévriers. (Les autres images prises en compte par Blur étaient un étal de marché de fruits et légumes, une vitrine de paris ... vous voyez l'idée.)

L'image utilisée, prise par le photographe Bob Thomas, a été extraite d'une banque d'images et n'a pas été, contrairement à la croyance populaire, prise à Walthamstow. La confusion vient du fait qu'un tournage séparé pour la couverture intérieure a été réalisé sur la célèbre piste de l'Est de Londres, qui a depuis été transformée en appartements.

14. Matériel original de pirate par The Streets (2002)

Couverture originale de matériel de pirate montrant un bloc d

La couverture de Original Pirate Material a utilisé une image prise pour un projet de photographie d'art

Lorsque Mike Skinner, alias The Streets, a fait un album de garage britannique rude et prêt dans sa chambre, il le visait aux fans typiques du garage britannique. Au lieu de cela, ses paroles drôles et poétiques l'ont amené à être instantanément adopté par les intellectuels de la classe moyenne, un fait qui le déconcerte encore aujourd'hui.

L'étreinte de Skinner par l'intelligensia peut également avoir été inconsciemment inspirée par la nature high-brow de sa couverture. Son premier album comprend une image intitulée Towering Inferno, prise en 1995 par un artiste et photographe allemand Ruth Blees Luxembourg . Faisant partie d'une série intitulée Londres: un projet moderne qui se concentre sur la capitale la nuit, le plan s'intègre parfaitement dans le récit `` sexe, drogue et sur le salaire '' lancé par Skinner tout au long de ses débuts.

15. Fallen by Evanescence (2003)

Couverture de Fallen by Evanescence avec une fille gothique regardant la caméra

La couverture de Fallen, comme sa musique, évoque des sentiments d'isolement et d'aliénation

L'un des albums les plus vendus des années 2000 et le gagnant de deux Grammys, Fallen a été le début d'Evanescence, un groupe chrétien défiant les genres qui combinait des éléments de nu metal, de métal alternatif et de goth. Mais son influence va bien au-delà de la musique «juste». D'innombrables jeunes depuis sa sortie ont témoigné de la façon dont ses paroles, qui traitent de sujets d'aliénation, de dépression, de suicide et de mort, les ont aidés à faire face à l'angoisse de «se sentir différent» de leurs pairs.

Vu sous cet angle, la pochette de l'album, mettant en vedette la chanteuse Amy Lee dans une pose de fille alternative, a été parfaitement choisie. Le chanteur regarde directement le spectateur, provoquant un sentiment d'empathie et d'expérience partagée, mais en même temps la nature floue de l'image et la palette de couleurs froides et dures évoquent des sentiments d'impuissance et d'isolement. Ce n'est pas nécessairement la scène la plus heureuse, mais pour de nombreux fans, elle a été essentielle et enrichissante.

16. American Idiot par Green Day (2004)

Couverture American Idiot avec poing saisissant une grenade à main

La conception de la couverture d'American Idiot s'appuie sur une gamme d'influences

Un opéra punk rock peut sembler une contradiction dans les termes, mais Green Day est allé de l'avant et l'a fait quand même. Cet album concept suit l'histoire de Jesus of Suburbia, un anti-héros adolescent, et il a engendré cinq singles à succès, y compris la chanson titre incendiaire; une critique cinglante des médias américains de droite qui n'a sans doute jamais été améliorée.

Un album qui change la donne exige des illustrations qui attirent l'attention, et cette conception de couverture, avec une grenade à main en forme de cœur tenue dans un poing imbibé de sang, le livre à la pelle. Il a été créé par Chris Bilheimer , un directeur artistique qui a étudié à l'Université de Géorgie avec R.E.M. le chanteur Michael Stipe.

Le design prend un certain nombre d'influences et serait inspiré par l'art de la propagande communiste chinoise, une parole de la chanson She's a Rebel (`` il tient mon cœur comme une grenade à main '') et l'affiche de Saul Bass pour le 1955 film L'Homme au bras d'or.

17. Demon Days de Gorillaz (2005)

Couverture de Demon Days, avec quatre personnages de dessins animés

La pochette de Demon Days colle à la vanité Gorillaz d'un `` groupe virtuel ''

Alors que le monde avançait avec confiance du 20e au 21e siècle, tout est soudainement passé de l'analogique au numérique. Et le chanteur de Blur Damon Albarn et Jamie Hewlett , la bande dessinée derrière Tank Girl, a décidé de prendre une longueur d'avance en formant Gorillaz , le premier groupe virtuel au monde.

Combinant hip-hop et électronica, la production musicale du groupe était suffisamment révolutionnaire, mais ils ont encore excité le public et les médias en se présentant sous la forme de personnages de dessins animés, des couvertures de magazines aux clips vidéo en passant par les sites Web. À une époque où la plupart des gens apprenaient simplement ce qu'était un avatar, c'était une idée intelligente, qui s'est traduite sans effort sur la couverture de cet album, leur deuxième et fondateur.

18. Né pour mourir de Lana del Rey (2012)

Couverture de Born to Die montrant Lana del Rey debout devant une clôture

Le design de la couverture de Born to Die est grand, audacieux et triste

L'un des trois seuls albums publiés par une artiste féminine à avoir passé plus de 300 semaines sur le Billboard 200, Born to Die combine des éléments de pop indie et de trip-hop avec la voix envoûtante de la chanteuse new-yorkaise Lana del Rey d'une manière bien supérieure à celle la somme de ses parties. Et la couverture, dirigée par David Bowden , était convenablement et magnifiquement épique.

Le design percutant combine une image triste et saisissante de la chanteuse, photographiée par Nicole Nodland , avec une typographie large et audacieuse basée sur une police sur mesure, ajoutant une sensation véritablement cinématographique à la conception.

19. 1989 par Taylor Swift (2014)

Couverture de 1989 montrant un Polaroid de Taylor Swift, rogné au niveau des yeux

La couverture de 1989 montre instantanément ce qu'est le chanteur

L'une des plus grandes stars de la décennie, la chanteuse country devenue pop Taylor Swift a conquis les fans en étant ouverte et personnelle sur elle-même, et la couverture de son premier album `` pure '' pop, 1989, s'inscrit parfaitement dans ce récit.

À des années-lumière des clichés glamour boudeurs et aérographes de ses rivaux, il ne présente qu'un simple Polaroid de la chanteuse, coupé aux yeux, avec T.S. 1989 (l'année de sa naissance) griffonnée en dessous. Rien de compliqué, rien d'exagéré ... et tant mieux pour que les fans se sentent connectés à «toutes les femmes de la pop».

20. Limonade de Beyonce (2016)

Couverture de limonade montrant Beyonce penchée et cachant son visage

La couverture de Lemonade a fait l'objet de spéculations frénétiques

Soyons francs; À l'ère moderne, avec le streaming prenant le relais des téléchargements et le partage social remplaçant la navigation dans les magasins de disques, les illustrations d'albums ont perdu de leur importance. Mais si un artiste est assez grand, il a toujours un impact, et peu d'artistes ont été plus grands dans les années 2010 que Beyonce.

Signe des temps changeants, le sixième album de la chanteuse, Lemonade, a été mis à disposition pour la première fois via le service de streaming copropriété de Beyoncé. Marée , un jour avant sa sortie pour achat numérique et physique. La couverture montre la chanteuse debout à côté d'une voiture, vêtue d'un manteau de fourrure et de tresses cornrow, cachant son visage derrière son bras.

C'est une image fixe du tournage de la vidéo Don't Hurt Yourself, réalisée par Beyonce et Kahlil Joseph . Mais il n'y a aucune explication officielle sur la raison pour laquelle ce plan particulier a été choisi, laissant les fans spéculer sur la signification des cornrows (symbolisant la culture noire?), Du manteau de fourrure (symbolisant la renommée et la richesse?) Et de la face cachée (symbolisant la tourmente intérieure?).

À l'ère des médias sociaux où l'on en parle semble être l'objectif principal de toutes les célébrités, des pop stars aux présidents, c'est peut-être la couverture d'album parfaite pour notre époque.

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