17 conseils d'experts en storyboard pour l'animation télévisée

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Le storyboard est une carrière créative, passionnante et épanouissante. En plus de savoir comment dessiner à un niveau élevé, un artiste de storyboard a besoin d'une compréhension de la narration, ainsi que d'une connaissance des mécanismes de mise en page d'animation.

L'artiste du storyboard de la télévision crée le plan visuel de la production animée. En termes simples, si ce n'est pas dans le storyboard, ce ne sera pas à l'écran. Il n'est pas inhabituel que les poses du personnage du storyboard soient tracées et utilisées comme poses extrêmes par les artistes d'animation.

En plus de savoir comment dessiner les personnages jouant la performance, un artiste du plateau de production (titre The Animation Guild pour un scénariste de télévision) doit également avoir une solide compréhension des principes de la réalisation de films et de la manière de les traduire lors de la conception de la mise en page des mouvements de caméra d'animation.

Les conseils ci-dessous examinent les principes les plus importants qu'un artiste d'histoire d'animation doit comprendre. Les storyboards ne sont pas de l'art fini, mais plutôt un élément clé de la planification de la production à partir de laquelle l'art fini est conçu. Le storyboard permet le mouvement des personnages et de la caméra, chaque scène étant séquentiellement conçue dans le contexte de ce qui a précédé et de ce qui va suivre au fur et à mesure que l'histoire se déroule ...

01. Il s'agit de raconter l'histoire

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Commencez par lire le script

Réduit à son essence, mon travail est de raconter l'histoire. Je commence par lire le script ou le plan fourni pour le spectacle. Il est important de se rappeler que l'histoire concerne les personnages, je me pose donc toujours ces questions:

  • Que se passe-t-il dans l'histoire en ce moment?
  • Comment cela affecte-t-il le personnage?
  • Quel est leur état d'esprit?
  • Comment se sentent-ils?
  • Comment le public devrait-il se sentir?
  • Quel est le moment émotionnel que j'essaie de communiquer?

Ce sont les points clés qui, dans leur ensemble, racontent l'histoire. Chaque décision doit être motivée par l'histoire!

02. Construisez sur la ligne d'action

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La ligne d'action est le fondement de la conception de vos personnages

La ligne d'action est une décision de conception liée à l'énergie / force que dégage le personnage et est la première ligne que je trace. Un personnage qui a le poids du monde sur ses épaules sera affalé, la tête tirée vers le sol. Une personne exubérante de succès fera un arc dans la direction opposée, jetant son poids en l'air et loin de l'attraction de la gravité terrestre. Cette ligne est la base de conception sur laquelle le dessin du personnage est construit; communiquer la direction du mouvement, l'émotion, l'énergie, etc.

03. Un dessin équivaut à une idée

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Chaque image doit représenter une seule étape de l'histoire

Le film se déplace rapidement. Le public ne peut regarder qu'une seule chose à la fois, donc inclure plusieurs idées dans un dessin entraînera simplement le manque de certaines de ces idées au public. L'artiste du storyboard doit s'engager à créer un nouveau dessin pour chaque nouvelle idée. Si un événement nécessite plus d'une étape pour être décrit, vous devrez dessiner chaque étape. Par exemple, si un personnage voit quelque chose et réagit, dessinez le personnage qui regarde, dessinez ce qu'il voit, puis dessinez sa réaction.

04. Dessinez proprement pour l'animation

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Assurez-vous que vos dessins conservent l'énergie de vos croquis initiaux

Animateur Disney Ollie Johnston dit qu'il était important de dessiner clairement, pas proprement. Je commence à dessiner des vignettes lâches pour élaborer le flux du storyboard et explorer diverses solutions. Lorsque vous attachez les dessins finaux, gardez l'énergie de ces premiers croquis. Construisez vos dessins avec des formes et des volumes simples. Utilisez des lignes directrices et «dessinez» pour vous assurer que vos dessins ont une dimension sculpturale. Tournez votre personnage dans l'espace, inclinez et tordez les épaules, les hanches et la tête.

05. Trouver de la clarté dans les silhouettes

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Si l'action de votre personnage n'est pas claire sous forme de silhouette, il faudra plus de travail

La clarté est la clé! Le public a très peu de temps pour absorber les informations avant que l'idée suivante n'apparaisse. Il ne devrait jamais y avoir de doute quant à l'action décrite, ni à l'intention et à l'état d'esprit du personnage. Testez la clarté de votre pose en remplissant le dessin avec une couleur unie. Pouvez-vous encore lire l'action du personnage? L'utilisation de silhouettes claires lors de la conception des poses garantit cette clarté de communication.

06. Communiquez l'histoire à travers des poses de personnages

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Chaque personnage doit avoir ses propres poses uniques

Les poses que je dessine doivent être claires et simples, mais aussi uniques au personnage. Trop de poses et le personnage n'arrête pas de bouger, perdant ainsi l'accent sur ce qui compte. Trop peu de poses et le personnage sera perdu à l'écran. En travaillant avec la piste de dialogue, j'écoute le sous-texte, ou le sentiment sous les mots. Les poses que je dessine capturent ce sous-texte émotionnel, donc je change de pose lorsque l'attitude change. Les pauses entre les lignes sont souvent plus importantes que le dialogue lui-même; donnant l'occasion de montrer la pensée du personnage et son attitude changeante.

07. Pensez comme un acteur

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Utilisez un miroir pour vous aider à obtenir les bonnes expressions pour vos personnages

Les storyboards planifient la performance des personnages. Pour les productions télévisuelles, cette disposition des caractères est détaillée et très spécifique. Les doubleurs sont essentiels pour définir le personnage. Écoutez le dialogue et réécoutez-le! N'ayez pas peur d'essayer de jouer les mots vous-même - j'ai un miroir à mon bureau pour m'aider à dessiner des expressions et des mouvements convaincants.

Les expressions subtiles sont les plus difficiles. Chaque personnage est unique et la performance doit refléter cette individualité. Les feuilles de modèle de conception de personnage sont une ressource pratique que les artistes utilisent pour maintenir une performance de personnage cohérente.

08. Utilisez le cadre comme «œil»

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16: 9 est le rapport hauteur / largeur standard dans la plupart des pays

Liée au concept de point de vue (voir astuce 10), la monture est la lentille ou la fenêtre que nous utilisons pour raconter l'histoire. Le cadre peut se déplacer et les éléments peuvent entrer et sortir du cadre. Dans l'exemple ici, le cadre est défini par un rapport d'aspect de 16: 9, ce qui signifie que la largeur du cadre est environ 1,78 fois celle de la hauteur du cadre. Ce format d'image de 1 080p est la norme pour la télévision américaine. Sachez que la distribution en salles utilise des normes différentes, tout comme les diffuseurs dans d'autres pays.

09. Esquissez des vignettes pour un panneau simple

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Utilisez des miniatures rapides pour explorer des solutions de narration

Les miniatures sont destinées à être dessinées rapidement et doivent être de petite taille. Je les utilise pour commencer à explorer des solutions pour raconter l'histoire. Je sélectionne ensuite la vignette qui communique le mieux le point de l'histoire. Dans cet exemple, j'ai exploré quatre solutions possibles.

10. Établissez le point de vue avec la ligne d'horizon / ligne des yeux

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Une ligne d'horizon basse est souvent le meilleur choix

Dans vos vignettes approximatives, considérez la ligne d'horizon. Ceci est déterminé par le placement de la caméra, dicte le point de vue et c'est la première ligne que je trace au début d'un panneau. Avec une ligne d'horizon haute, le public regardera vers le bas, tandis qu'un horizon extrêmement bas obligera le public à regarder la scène. Une variété d'angles de caméra doit être envisagée, mais la décision doit toujours être dictée par les besoins de l'histoire. Les lignes d'horizon basses sont souvent préférées car elles correspondent à la façon dont nous vivons le monde, permettent une mise en scène plus claire (silhouettes épurées), montrent la profondeur (vous pouvez voir à des kilomètres) et nécessitent moins de défis de perspective, par exemple.

11. Utilisez des grilles pour faciliter le placement des objets

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Dessiner une grille facilitera le placement des éléments dans chaque scène

Je dessine une grille pour montrer le sol, le plan du ciel ou même un mur. Cela m'aide à dessiner la scène de manière solide et convaincante. Lorsqu'un élément de la scène coupe la ligne d'horizon, tout ce qui se trouve dans la scène coupera la ligne d'horizon à la même hauteur relative. Sachant cela, le placement des éléments dans la scène est facile. Assurez-vous que vos personnages s'intègrent tous dans le monde que vous avez créé. Trop souvent, les personnages au premier plan devraient creuser un trou pour s'intégrer dans la scène! Utilisez la variation de chevauchement et d'épaisseur de ligne pour indiquer que les objets sont plus éloignés.

En savoir plus sur théorie de la grille ici .

12. Créer un panneau de storyboard approximatif

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Une fois que vous avez trouvé une vignette appropriée, réduisez-la en un

Une fois que vous avez pensé à tous ces éléments, vient ensuite le panneau rugueux - je fais sauter la vignette sélectionnée jusqu'à la taille du panneau fini. A ce stade, je résolve la perspective, structure et affine la pose du personnage. Le panneau brut est revu par le réalisateur, le superviseur du storyboard ou le producteur exécutif.

13. Nettoyez le storyboard

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Nettoyez le brouillon et ajoutez les modifications demandées

Toutes les demandes de modification issues de l'examen sont triées lors du nettoyage. La dernière ligne doit délimiter les formes et l'idée, mais aussi maintenir la vie du personnage. Un ton peut être ajouté. Certaines productions nécessitent des dessins «sur modèle» serrés; d'autres aiment les dessins plus lâches et plus énergiques.

14. Assurer la continuité

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Ne laissez pas la caméra franchir la ligne entre les personnages

La continuité est un mot souvent utilisé pour désigner la direction de l'écran, bien que sa signification dépasse cela. Le maintien de la continuité, c'est s'assurer que la géographie de l'espace et les personnages sont dégagés d'un plan à l'autre. La mise en scène de l'écran, ou la règle des 180 degrés, est un principe cinématographique important et un aspect fondamental de la continuité. Nous traduisons un monde 3D en une expérience 2D à l'écran. Une fois qu'un personnage est établi comme se déplaçant de gauche à droite ou de droite à gauche, gardez cette direction de mouvement pendant que le personnage est à l'écran.

15. Tenez compte du temps du film et du montage

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Apprenez le langage du cinéma et utilisez-le pour raconter l'histoire

Les scènes / plans sont conçus pour fonctionner en séquence. Nous prolongeons, compressons et réorganisons le temps en fonction de notre histoire. La taille et la conception des plans doivent être modifiées au fur et à mesure que nous passons d'un plan à un autre. Le cinéma a une langue. Nous apprenons à «entendre» cette langue, mais nous ne savons souvent pas comment l'utiliser pour raconter une histoire. Étudiez de grands films. Faites une vignette sur les coupes de scène, puis évaluez ce que le cinéaste faisait lors de ses choix, tels que le placement de la caméra, le mouvement des personnages dans la scène, le séquençage des plans, le temps alloué aux scènes, etc.

16. Composez pour le mouvement

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Gardez à l'esprit la règle des tiers lors de la composition de vos cadres

Une scène / plan, comprenant une série de panneaux, ne décrit que des secondes de temps. Chaque idée doit être présentée clairement et simplement. Le centre d'intérêt doit être le seul objet de cette taille, forme et valeur dans la scène. Le Règle des tiers peut être utile pour composer - évitez les coins et les bords du cadre. Mais rappelez-vous que le monde s'étend au-delà du cadre et que le cadre lui-même peut bouger. Et assurez-vous de laisser de la place pour que les personnages puissent se déplacer. Ils ne devraient pas se sentir «pressés» dans un panneau.

17. Pensez à la mise en page de l'animation

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Vous pouvez planifier plus facilement les mouvements de caméra avec l'outil Appareil photo de Toon Boom Storyboard Pro

La disposition d'animation fait référence à la mécanique du fonctionnement d'une caméra d'animation. L'illusion d'une caméra dimensionnelle et mobile est créée en concevant des illustrations qui glisseront devant la caméra. Les couches d'art sont conçues et synchronisées pour créer une illusion de profondeur. Toon Boom Storyboard Pro dispose d'un excellent outil de caméra qui facilite la planification des mouvements de caméra.

Cet article a été initialement publié dans le numéro 165 de ImagineFX , le magazine le plus vendu au monde pour les artistes numériques. Abonnez-vous à ImagineFX ici .

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